viernes, 14 de noviembre de 2014
sábado, 20 de septiembre de 2014
viernes, 5 de septiembre de 2014
sábado, 30 de agosto de 2014
viernes, 22 de agosto de 2014
TEATRO
EL TEATRO
El teatro (del
griego θέατρον, theatrón o «lugar para contemplar») es la rama del arte
escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una
audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música,
sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras
concebidas para un escenario, ante un público. El Día del Teatro se celebra el
27 de marzo.
1- APROXIMACIÓN HISTÓRICA
La mayoría de
los estudios consideran que los orígenes del teatro deben buscarse en la
evolución de los rituales mágicos relacionados con la caza, al igual que las
pinturas rupestres, o la recolección agrícola que, tras la introducción de la
música y la danza, se embocaron en auténticas ceremonias dramáticas donde se
rendía culto a los dioses y se expresaban los principios espirituales de la
comunidad. Este carácter de manifestación sagrada resulta un factor común a la
aparición del teatro en todas las civilizaciones.
África
El teatro
africano, entre tradición e historia, se está encauzando actualmente por nuevas
vías. Todo predispone en África al teatro. El sentido del ritmo y de la mímica,
la afición por la palabra y la verborrea son cualidades que todos los africanos
comparten en mayor o menor medida y que hacen de ellos actores natos. La vida
cotidiana de los africanos transcurre al ritmo de variadas ceremonias, rituales
o religiosas, concebidas y vividas generalmente como verdaderos espectáculos.
No obstante, aunque África ha conocido desde siempre este tipo de ceremonias,
cabe preguntarse si se trataba realmente de teatro; a los ojos de muchos, estos
espectáculos están demasiado cargados de significado religioso para que puedan
considerarse como tal. Otros estiman que los tipos de teatro africanos guardan
cierto parecido, como en otros tiempos la tragedia griega, como un preteatro
que nunca llegara totalmente a ser teatro si no se desacraliza. La fuerza y las
posibilidades de supervivencia del teatro negro residirán, por lo tanto, en su
capacidad para conservar su especificidad. (…)
Antiguo Egipto
En Antiguo
Egipto, a mediados del segundo milenio antes de la edad cristiana, se
representaban ya dramas acerca de la muerte y resurrección de Osiris. Se
comienza el teatro por medio de máscaras y dramatizaciones con ellas.
Grecia y Roma
Las raíces en
ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso, donde se llevaban a
cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y
cantos (Ditirambos). Más tarde comenzaron las primeras representaciones ya
propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías
que incluían solo un actor y un coro. (…)
El teatro
griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta
de la vendimia (ofrecida a Dionisios) donde los jóvenes iban danzando y
cantando hacia el templo del dios, a ofrecerle las mejores vides. Luego un
joven que resaltó entre el grupo de jóvenes se transformó en el Corifeo o
maestro del coro, quien dirigió al grupo. Con el tiempo aparecieron el bardo y
el rapsoda, que eran recitadores.
En el curso
del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron los
modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los dramaturgos Esquilo y
Sófocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la acción, lo
que dio a ésta una complejidad que hacía necesaria la creación de mayores
escenarios. Para ello se erigieron grandes teatros de piedra, entre los que
cabe citar el aún conservado de Epidauro en el siglo V a. C., capaz de albergar
unas 12.000 personas, y el de Dioniso, en Atenas, en el siglo IV A.C. Su
construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una
colina, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la
orquestra, espacio circular en el que se efectuaba la mayor parte de de la
representación. Tras la orquestra se levantaba una edificación llamada skené,
escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Delante de ella se
levantaba una pared columnada, el proscenio, que podía sostener superficies
pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las
túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias,
constituían todo el aparato escénico.
Las
representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro
(dirigido por el Corifeo o maestro del coro) que cantaba [el coro] y danzaba en
torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la
tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas
heroicas y utilizaba, oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia
satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras e incurrían
en una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por tema
asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban
máscaras.
Teatro romano
Los teatros
romanos heredaron los rasgos fundamentales de los griegos, si bien introdujeron
ciertos elementos distintivos. Construidos inicialmente en madera, sólo en el
año 52 a. C. Pompeyo, erigió en Roma el primero en piedra. A diferencia de sus
modelos helénicos, se levantaban sobre el suelo plano y poseían varias plantas
erigidas en mampostería. Con objeto de mejorar la acústica, los arquitectos
romanos redujeron la orquestra a un semicírculo, y los espectáculos se
presentaban sobre una plataforma, el pulpitum, levantada delante de la antigua
skene que constituye el origen de los modernos escenarios. La frons scaenae era
una fachada monumental de varios pisos, que servía de fondo de escenario. El
graderío (cávea) se divide en 3 partes: Ima, media y suma , ubicándose la
primera en la zona inferior donde se sentaban los senadores y la clase
dirigente; quedando asentados en la superior las mujeres y los esclavos y en la
media el pueblo llano. El conjunto
podía cubrirse con un velum. Roma optó también por la comedia, ya que éstos
tomaron el teatro como una manera de divertirse o entretenerse.
Civilizaciones americanas
En las
culturas americanas prehispánicas el teatro llegó a adquirir un notable
desarrollo, particularmente entre los mayas, una de las obras más
representativas del teatro maya es el drama quiche Rabinal Achí el teatro maya
se hallaba parcialmente vinculado a los ciclos agrícolas y a la épica de sus
eventos históricos, y entre los aztecas e Incas, sociedades que en
correspondencia con su estructura teocrática dieron a sus actividades teatrales
un matiz eminentemente guerrero y religioso.
Civilizaciones orientales
Las
manifestaciones dramáticas en Asia se remontan a épocas antiquísimas. En China
se practicaban ya, bajo la forma de poemas escenificados, a fines del segundo
milenio antes de la era cristiana. En la India su aparición fue posterior, más
el hecho de que en el Mahabhárata, poema épico que adquirió su forma definitiva
hacia el siglo IV a. C., se mencione específicamente este arte revela la
existencia de remotas formas teatrales relacionadas con las creencias védicas.
El carácter marcadamente ritual y simbólico del teatro oriental que determinó
un protagonismo de la música y la danza muy superior a la occidental, marcó
asimismo en Japón, el desarrollo del teatro 能, en español llamado Nō surgido en el siglo XV, del
que dos centurias más tarde brotó el 歌舞伎 o kabuki, el más popular, y basado sobre todo en
la capacidad de los intérpretes, y en la apelación a los sentidos antes que al
intelecto.
Edad Media europea
Tras siglos de
olvido, la recuperación del teatro en Occidente tuvo principal apoyo en el
clero, que lo empleó con fines didácticos. Así, desde el siglo XI, fue habitual
la representación en las iglesias de misterios y moralidades, cuyo objeto era
presentar de forma sencilla la doctrina cristiana a los fieles. A fin de
facilitar la comprensión, el latín cedió paso paulatinamente a las lenguas
vernáculas, y en los siglos XIII y XIV, tanto las piezas religiosas como las
florecientes farsas profanas comenzaron a representarse.
Renacimiento
La eclosión
del Renacimiento en Italia tuvo consecuencias decisivas sobre la evolución del
teatro, pues, al surgir una producción dramática de carácter culto, inspirada
en los modelos clásicos y destinada a las clases aristocráticas, se generalizó
en el transcurso del siglo XVI la construcción de salas cubiertas y dotadas de
mayores comodidades.
Teatro en
Italia. Como primero de los teatros modernos suele citarse el Olímpico de
Vicenza, diseñado por Andrea Palladio y finalizado en 1585, que constituía una
versión de los modelos romanos y presentaba, al fondo del escenario, una
perspectiva tridimensional con vistas urbanas. El modelo clásico del teatro
italiano, vigente en muchos aspectos, fue no obstante el teatro Farnese de
Parma, erigido en 1618, cuya estructura incluía el escenario, enmarcado por un
arco proscenio y separado del público por un telón, y una platea en forma de
herradura rodeada por varios pisos de galerías. Durante este tiempo se
desarrolló también en Italia una forma de teatro popular, la comedia del arte,
que con su énfasis en la libertad de improvisación del actor dio un gran avance
a la técnica interpretativa.
Inglaterra: el
teatro isabelino. Muy diferentes fueron los teatros erigidos en Inglaterra
durante el reinado de Isabel I de Inglaterra, época de excepcional esplendor
del género dramático, entre los que se destacó el londinense The Globe donde
presentaba sus obras William Shakespeare. 
Carentes de techo y construidos de madera, su
rasgo más característico era el escenario elevado rectangular, en torno al cual
el público rodeaba a los actores por tres lados, mientras las galerías se
reservaban para la nobleza.
Carentes de techo y construidos de madera, su
rasgo más característico era el escenario elevado rectangular, en torno al cual
el público rodeaba a los actores por tres lados, mientras las galerías se
reservaban para la nobleza.
Barroco y neoclasicismo
El transcurso
de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran enriquecimiento de la
escenografía. La recuperación por parte del drama clásico francés de la regla
de las tres unidades —acción, tiempo y lugar— hizo innecesaria la simultaneidad
de decorados, con lo que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se
generalizó la costumbre de cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la
creciente popularidad de la ópera, que requería varios montajes, favoreció el
desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran mayor apariencia de veracidad
a efectos tales como: la desaparición de actores y la simulación de vuelos —las
llamadas "glorias", por ejemplo hacían posible el descenso de las
alturas del escenario de una nube que portaba a los cantantes. El teatro de la
Scala de Milán, finalizado en 1778, constituye un ejemplo de las grandes
dimensiones que eran precisas para albergar tanto al público como a la tramoya
y al aparata escénico.
Teatro moderno
Durante la
mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se
mantuvieron en esencia inalterables, si bien las exigencias de libertad
creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a fines de la centuria
a un replanteamiento general del arte dramático en sus diversos aspectos.
Fundamental en
este sentido fue la construcción del monumental Festspielhaus de Bayreuth,
Alemania, erigido en 1876 de acuerdo con las instrucciones del compositor
Richard Wagner, que constituyó la primera ruptura respecto a los modelos
italianos. Su diseño en abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento
del auditorio durante su representación y la ubicación de la orquesta en un
pequeño foso, eran elementos concebidos para centrar la atención de los
espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la separación entre
escenario y público.
Esta exigencia
de integración entre el marco arquitectónico, la escenografía y la
representación fue acentuada en los últimos decenios del siglo XIX y primeros
del XX por la creciente importancia concedida a la figura del director gracias
a personalidades como el alemán Max Reinhardt, autor de espectaculares
montajes, el francés André Antoine, adalid del naturalismo, el ruso Konstantín
Stanislavski, director y actor cuyo método de interpretación ejercería gran
influencia sobre el teatro moderno, o el escenógrafo británico Edward Gordon
Craig, que en su defensa de un teatro poético y estilizado abogó por la
creación de escenarios más sencillos y dúctiles.
La aparición
del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de
planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales y las nuevas
posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte
teatral. En el campo del diseño arquitectónico y escenográfico las mayores
innovaciones se debieron al desarrollo de nueva maquinaria y al auge adquirido
por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron la creación de
escenarios dotados de mayor plasticidad (circulares, móviles, transformables,
etc.) y liberaron al teatro de la apariencia pictórica proporcionada por la
estructura clásica del arco del proscenio.
Teatro de Vanguardia: Se orienta
actualmente hacia una investigación sobre el papel de actor, próxima a la de
Jerzy Grotowski y su teatro laboratorio. Así, en Libreville, Gabón, se formó en
1970 un teatro vanguardista que realizó dos espectáculos que dejaron una huella
perdurable en las jóvenes generaciones de comediantes. Otra vía de
investigación es el teatro de silencio, creado por François Rosira, cuyo fin
era realizar espectáculos en los que el canto, el recitado, la música y el
baile se complementen en perfecta armonía.
2- ELEMENTOS BÁSICOS DEL TEATRO
El teatro como
se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes
elementos forman una parte indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen
cada uno características y leyes propias y, en función de la época, de la
personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda
a unos u otros mayor relevancia dentro del conjunto. Estos elementos son:
Texto- Libreto
Las obras
dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe las
acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje acotacional)
En la
tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la
pieza esencial del teatro, llamado "el arte de la palabra". Dado que,
de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas
orientales, cabe cuando menos admitir como justificada tal primacía. A este
respecto deben hacerse, no obstante, dos consideraciones: en primer lugar, el
texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta que
se representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en
segundo lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos
modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos cual
la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.
El hecho de
que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación determina además
el carácter distintivo de la escritura dramática respecto a otros géneros
literarios. La mayoría de los grandes dramaturgos de todos los tiempos, desde
los clásicos griegos al inglés William Shakespeare, el francés Molière, el
español Pedro Calderón de la Barca o el alemán Bertolt Brecht, basaron sus
creaciones en un conocimiento directo y profundo de los recursos escénicos e
interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.
Dirección- director de teatro
La
personalidad del director como artista creativo se consolidó a fines del siglo
XIX, aunque su figura ya existía como coordinador de los elementos teatrales,
desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde convertir el texto,
si existe, en teatro, con los procedimientos y objetivos que se precisen.
Poderosos ejemplos de dicha tarea fueron los alemanes Bertolt Brecht y Erwin
Piscator, dedicando su energía a conseguir del espectador su máxima capacidad
de reflexión, o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski.
Actuación-Actores
Las técnicas
de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de
manera uniforme. En el teatro occidental clásico, por ejemplo los grandes
actores, los "monstruos sagrados", tendían a enfatizar las emociones
con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia del arte el
intérprete dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses del Nō y
kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de gestos
simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.
En el teatro
moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que el
actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del
estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad
de éste. Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las
enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito
cinematográfico, no es desde luego la única y en último extremo la elección de
un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las
indicaciones del director.
Sin embargo,
actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia
naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea
requiere una crítica del naturalismo como simple reproducción del
comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno. Actualmente ha habido
grandes transformaciones del trabajo de Stanislavski siendo las más importantes
Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky Étienne Decroux y Eugenio Barba. Estas
técnicas, llamadas actualmente extracotidianas implican una compleja síntesis
de los signos escénicos.
Otros elementos
De forma
estricta, se entiende por decorado
al ambiente en que se desarrolla una representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los
decorados. Hoy en día, tiende a introducirse en el concepto de "aparato
escenográfico" a todos los elementos que permiten la creación de ese
ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la maquinaria o tramoya y la iluminación.
En la
antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se
mantuvo durante toda la Edad Media. Fue ya a fines del Renacimiento y, sobre
todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía comenzó a
adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor
apariencia de profundidad al decorado, y posteriormente al desarrollo de la
maquinaria teatral. En el siglo XIX, con la introducción del drama realista, el
decorado se convirtió en el elemento básico de la representación. El
descubrimiento de la luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de la iluminación.
Las candilejas, que en principio eran un elemento accesorio, se consideran
poéticamente un símbolo del arte teatral.
Estrechamente
vinculado con la concepción escénica, se ha hallado siempre el vestuario. En el teatro griego, la
tosquedad de los decorados se compensaba por medio de máscaras —trágicas o
cómicas— y las túnicas estilizadas de los actores, cuyo objeto era de resaltar
el carácter arquetípico de los personajes. Durante el Barroco y el
Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje
y el vestuario, si bien éste se empleó a menudo de forma anacrónica —se
representaba por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes franceses del
siglo XVII hasta la aparición del realismo. En la actualidad, la elección del
vestuario no es sino un elemento más dentro de la concepción general del
montaje.
ACTIVIDAD:
1-Explica con tus palabras A QUÉ SE LE
LLAMA teatro.
2-Anota de cada PERIODO HISTÓRICO, una
característica teatral.
3-Lee todos los ELEMENTOS del teatro, elije
al menos una categoría en la cual quieras destacarte para trabajar en clase.
viernes, 18 de julio de 2014
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
%2B(1).jpg)
jueves, 17 de julio de 2014
MÚSICA
Es más fácil sentirla y reproducirla que explicarla o definirla. Todos entendemos qué es la música, pero ¿cuántos pueden poner en palabras cuáles son sus características esenciales o aquello que le da sentido?
El término música tiene su origen del latín “musica” que a su vez deriva del término griego “mousike” y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las musas de las artes.
Puede decirse que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído.
Existen diversos principios que permiten llevar a cabo esta organización de los sonidos y silencios. La armonía, la melodía y el ritmo, por citar tres elementos, son cuestiones que deben tenerse en cuenta a la hora de generar música.
Lo que hace un músico, ya sea profesional, aficionado o hasta improvisado, es tratar de generar alguna sensación en el oyente. La creación musical estimula la percepción del ser humano y puede desde entretener a la persona hasta aportarle algún tipo de información.
Cuando un cuerpo vibra, produce un movimiento que modifica la presión y se transmite en el aire, pudiendo ser captado por el oído. Eso es, ni más ni menos, que un sonido. Cuando no hay sonido, nos encontramos con el silencio (que, a diferencia de lo que uno podría pensar, nunca puede ser absoluto debido a la existencia de la atmósfera).
La música, en definitiva, consiste en combinar sonidos y silencios. Los sonidos, a su vez, pueden ser infinitos, ya que es posible trabajar con innumerables variaciones de duración, intensidad, altura o timbre.
La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los comienzos de la historia. Según explican ciertas teorías su origen tuvo lugar a partir de intentar imitar los sonidos que existían en la naturaleza y sonidos provenientes de la parte interna del ser humano, como el latido del corazón. Los descubrimientos que se han hecho en torno a este arte demuestran que ya existían conceptos de armonía en la música de la prehistoria.
Con el paso del tiempo se desarrollaron cientos de teorías para explicar el sentido de la música, lo que nadie puede explicar con certeza es qué tienen los sonidos que pueden tocarnos el sistema nervioso y emocionarnos a puntos que ninguna otra cosa puede hacerlo. La música tiene por ende mucho de misterio, de magia, y presenta para nosotros un mundo que no somos totalmente capaces de comprender pero al que llegamos una y otra vez de forma irremisible.
Mucho más que un arte
La música no sólo es un arte al que muchas personas recurren para llenar su vida de felicidad, también existen acciones terapéuticas que utilizan la música como elemento, la musicoterapia es una de ellas. Consiste en una aplicación científica del sonido, la música y el baile a través de un tratamiento que intenta integrar lo cognitivo, lo emocional y lo motriz, que libera los malos sentimientos y permite encontrarse con la energía propia de cada ser, ayudando a mejora la comunicación, la expresión individual y la integración social. La musicoterapia se utiliza en caso de enfermedad o disfuncionalidad física o social, para que un individuo se rehabilite y reeduque emocional, intelectual y motrizmente.
La música con sus sonidos posee tres componentes que la vuelven única: el sonoro, el temporal y el intelectual. El sonoro se encuentra representado por los sonidos unidos de una forma específica, el temporal tiene que ver con el momento puntual en el que deben ser representados y ejecutados los sonidos y el intelectual tiene que ver con la influencia que puede causar un determinado movimiento sonoro en un individuo, influyendo en su estado de ánimo y modificando a través de él otros aspectos de su vida. Posiblemente en la comprensión de estos tres componentes a fondo esté la respuesta que buscamos, el por qué tenemos esa increíble necesidad de hacer o escuchar música.
Lee todo en: Definición de música - Qué es, Significado y Concepto http://definicion.de/musica/#ixzz37n3pwatY
GÉNEROS MUSICALES:
Ver lista en http://listas.20minutos.es/lista/generos-musicales-y-sus-caracteristicas-320064/
lunes, 16 de junio de 2014
HISTORIETA
Los relatos que emplea pueden ser cómico, dramático, fantástico, policíaco, de aventuras etc., con texto o sin él.
Pueden ser en
formato papel o digital (e-comic, webcomic), o bien constituir una
simple tira en la prensa, en una página completa, una revista o un
libro. Lenguaje: se utilizan en su medio de lenguaje textos y dibujos.
Iconografía:representar claramente el aspecto gestual de los personajes.
Lenguaje Visual:
- Uso de la viñeta
- Unidad espaciotemporal
- Encuadre
- Planos
- Ángulos de visión.
- Formato
DIFERENTES GÉNEROS DE HISTORIETAS
Ahora a investigar sobre cada una y luego escribe la tuya.
Leer el texto completo en: http://www.ceibal.edu.uy/UserFiles/P0001/ODEA/ORIGINAL/091230historietas.elp/gneros.html
Allí encontrarás además información sobre cada uno de los distintos tipos de géneros de historietas. También hay ejericios interactivos para que realices. Además puedes descargarte un glosario del siguiente enclace http://www.ceibal.edu.uy/UserFiles/P0001/ODEA/ORIGINAL/091230historietas.elp/6361726163746572c3ad73746963617362.pdf
Si quieres saber un poco más: puedes leer más información en http://es.wikipedia.org/wiki/Historieta
¿QUÉ ES EL ARTE?
http://definicion.de/arte/
En ese sitio encuentras una definición del término ARTE.
En resumen:
"El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.(...)
La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía (literatura). Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografía como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas."
Leer el texto completo en el enlace mencionado más arriba.
En ese sitio encuentras una definición del término ARTE.
En resumen:
"El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.(...)
La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía (literatura). Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografía como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas."
Leer el texto completo en el enlace mencionado más arriba.
¿QUÉ ES LA CULTURA?
http://definicion.de/cultura/
En ese sitio encuentras una definición sobre el término CULTURA.
En resumen:
"El término cultura, que proviene del latín cultus, hace referencia al cultivo del espíritu humano y de las facultades intelectuales del hombre. (...)
En general, la cultura es una especie de tejido social que abarca las distintas formas y expresiones de una sociedad determinada. Por lo tanto, las costumbres, las prácticas, las maneras de ser, los rituales, los tipos de vestimenta y las normas de comportamiento son aspectos incluidos en la cultura.
Otra definición establece que la cultura es el conjunto de informaciones y habilidades que posee un individuo. Para la UNESCO, la cultura permite al ser humano la capacidad de reflexión sobre sí mismo: a través de ella, el hombre discierne valores y busca nuevas significaciones."
Leer el texto completo en el enlace mencionado.
En ese sitio encuentras una definición sobre el término CULTURA.
En resumen:
"El término cultura, que proviene del latín cultus, hace referencia al cultivo del espíritu humano y de las facultades intelectuales del hombre. (...)
En general, la cultura es una especie de tejido social que abarca las distintas formas y expresiones de una sociedad determinada. Por lo tanto, las costumbres, las prácticas, las maneras de ser, los rituales, los tipos de vestimenta y las normas de comportamiento son aspectos incluidos en la cultura.
Otra definición establece que la cultura es el conjunto de informaciones y habilidades que posee un individuo. Para la UNESCO, la cultura permite al ser humano la capacidad de reflexión sobre sí mismo: a través de ella, el hombre discierne valores y busca nuevas significaciones."
Leer el texto completo en el enlace mencionado.
miércoles, 21 de mayo de 2014
viernes, 16 de mayo de 2014
FICHA DEL ESTUDIANTE
Asignatura
Grado
Liceo
Año
FICHA ESTUDIANTIL
Tómese su tiempo,
piense y conteste las preguntas.
Nombre, apellido y
edad: ………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………..
¿Con quienes vives?
¿Cuáles son sus ocupaciones?................................................
……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….....
¿Tienes actividades extracurriculares……………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………..
¿Cuánto tiempo diario
le dedicas a los medios masivos de comunicación y a qué medios accedes?.............................................................................................................
……………………………………………………………………………………………………..
¿Cuáles son tu actividades
favoritas en tus ratos libres?..........................................
…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………
¿Qué actividades
artísticas-culturales-recreativas son de tu interés?..............................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................
Recomienda
-un libro:
-una canción o un
grupo musical:
-un pintor:
-una obra de teatro:
-un museo:
-una visita a:
¿Qué expectativas
tienes con respecto a la asignatura? ¿De qué te gustaría trata una materia cuyo
programa es libre? ¿Qué propones tú? …………………………….
…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………...................................................................................................................................................................................................................................................................................................
Muchas gracias.
jueves, 15 de mayo de 2014
PROYECTO DE CURSO (en primera instancia)
Asignatura: E.C.A./
Docente: NOELIA PREZA/ Año
lectivo: 2014
CREARTE
PROYECTO
PARA EL CURSO
ESPACIO
CURRICULAR ABIERTO
< EN
PERMANENTE CONSTRUCCIÓN>
“hacer un proyecto es producir una representación anticipatoria de un
acontecimiento futuro que uno imagina posible y deseable” [1]
EN RESUMEN: Este Proyecto para el E.C.A. se basa en
proponer a los estudiantes el diseño de la currícula (con plazo de realización
- conjunta con la docente- hasta no más de mediados del año lectivo), y en la
investigación y experimentación (durante toda la segunda parte del año) de una
manifestación-producción artística que se realice por parte de los alumnos y se
exhiba en una muestra final [2] (abierta a toda la Institución
y a las familias) que dé cuenta del trabajo realizado por los estudiantes sobre
algún eje del currículum que ha sido diseñado por ellos mismos. El curso
terminará con tal muestra y la autoevaluación por parte de los mismos
participantes del proyecto.
PROPUESTA DE TRABAJO ANUAL
-Primera etapa: proponer a los estudiantes
el diseño de un currículum de temas que sean de su interés abordar en el aula
durante el curso, el mismo debe incluir además de las temáticas, la metodología
de trabajo, los criterios de evaluación del curso, así como también qué se
espera del rol docente, tanto como del rol del estudiante.
La investigación, la
discusión, el debate en torno a la planificación del currículum no podrá
superar la primera mitad del año lectivo.
La docente propondrá como
eje de trabajo lo referente a Arte-Cultura [3] y a
partir de allí unidades temáticas de interés de los alumnos, aunque el propio
eje puede variar de acuerdo a sus inquietudes. Se propondrán para tal fin
instancias de discusión y problematización, así como de investigación y
experimentación.
-Segunda etapa: de forma general, de ser
aceptado el eje propuesto de Arte-Cultura, presentaré a los estudiantes algunos
conceptos básicos sobre qué es el arte y qué es la cultura, los diferentes tipos
de manifestaciones artísticas, un breve recorrido por la Historia Universal del
Arte, y una breve caracterización del periodo artístico que elegirán los
estudiantes para abordar (de estar de acuerdo con este eje de trabajo propuesto
por la docente, sino el mismo –en tanto forma parte de un proyecto provisorio-
podrá reformularse cuántas veces sea necesario); en forma particular cada estudiante de forma individual o grupal,
deberá de trabajar en un tipo de producción-creación artística, cuya
presentación se hará hacia el final del curso.
-Final del curso: los estudiantes exhiben sus
creaciones artísticas[4] a la Institución y a sus
familias. Todos los involucrados en el proceso, nos autoevaluamos.
FUNDAMENTACIÓN
La asignatura Espacio
Curricular Abierto se fundamenta desde su título en ser un espacio educativo de
curriculum libre (que no es lo mismo que sin curriculum o de libre elección
para el docente), con ello quiere decir, a mi juicio, un espacio donde las
temáticas que se aborden, así como su evaluación, deben surgir del colectivo
educativo, no solo de la opinión del docente, sino también del estudiante.
Este es el sentido que se
espera del E.C.A. que se puede visualizar en un documento titulado “Resignificando
el espacio curricular abierto”[5], donde se puede apreciar
que: “la esencia de la creación de una
asignatura sin currículum está ligada a la pretensión de la existencia de un
espacio que atienda las
temáticas propias de los estudiantes. [6]
Desde la planificación programática ECA está considerada como una asignatura
verdaderamente abierta en la que los estudiantes deben tener un rol protagónico
sin embargo, en los hechos lejos nos encontramos de cumplir con este objetivo
ya que su implementación está definida y evaluada por los adultos en base a
proyectos presentados a las autoridades liceales, desconociendo así la voz de
los educandos.” Este proyecto que presento ante las autoridades liceales de
esta Institución tiene la doble finalidad de que sea abierto -en el sentido de
que persiga la participación del estudiantado en la confección del mismo (por
eso provisorio)- pero a su vez que muestre qué tipo de propuesta desde el rol
docente <que espero se asigne> hago en concordancia (aunque la misma
también pueda variar) y planteo a la Dirección de esta Institución.
El E.C.A. solo puede ser lo
que pretende si se le brinda al estudiantado la capacidad de elegir, -conjunto
a la opinión del docente (quien lo guiará y estimulará tal proceso)- el diseño
de su propia currícula, lo que incluye temáticas y criterios de evaluación. Es por
esta razón que se propone un proyecto parcial e inicial que pretende ser
transitorio, en tanto pretende construirse con el aporte de los estudiantes
conforme avance el curso.
Este proyecto tiene a tal
fin, dos grandes partes. Una primera, que ha terminado aquí, que consiste en mostrar
una propuesta de trabajo anual y exponer fundamentos sobre por qué la currícula
debe ser libre, (en el sentido de construida con los aportes de la profesora y
sus alumnos a medida que avance el curso). La segunda que empieza después de
este párrafo , tiene que ver con los aspectos que no están relacionados
directamente con la curricula pero que hacen a un curso de formación educativa
a nivel de Ciclo Básico y que considero deben ser metas de llegada, intenciones
didácticas o propósitos generales.
INTENCIONES DIDÁCTICAS Y PROPÓSITOS GENERALES:
Es de esperar que la
práctica didáctica de esta asignatura así concebida produzca y desarrolle en
los estudiantes:
-capacidad de escucha y
diálogo.
-desarrollo de vínculos de cooperación
y solidaridad.
-fomento de actividades-guía
que procuren su autonomía.
-construcción de saberes y
valores en base a una educación entendida como práctica de libertad.
-fortalecimiento de sus
capacidades de diseñar proyectos.
-apertura hacia las
manifestaciones artísticas y culturales.
-fomento de su capacidad
creadora.
-reforzamiento de los
vínculos entre los compañeros, con la Institución y las familias.
[1] Zavala, Ana: “Entre dichos y
hechos. A modo de introducción” en “Cuadernos de historia, del dicho al hecho.
Cinco miradas en torno a los vínculos entre proyecto y acción de enseñanza”
Biblioteca Nacional, Montevideo, 2011. Pág. 2
[2] Este Proyecto pretende no tener
a priori demasiadas estipulaciones sobre el mismo (así se fundamenta desde la normativa
vigente, más adelante se citará el documento oficial), porque se desea que el
mismo sea construido con los estudiantes. Sin embargo, hay algunas ideas que
definen este Proyecto (y que lo diferencian de otros) y una de ellas es que se procura
la creación-producción artística por parte de los estudiantes, y ese es el
leitmotiv del nombre del curso que propongo (una conjunción de los vocablos
crear y arte). La razón de eso radica en que considero un tema bien estimulante
e interesante para los jóvenes adolescentes que se están formando desde un espíritu
académico que a menudo no estudia esta
temática en prácticamente ninguna asignatura y debido a que ésta es una manifestación del ser humano insoslayable:
el arte. Además porque considero que mi
formación profesional (ver currículum personal)me habilita a adentrarme en un
tipo de Proyecto de esta magnitud.
[3] La idea sugerida es trabajar en
torno al eje de arte-cultura, tanto la pasada como la presente, según las
preferencias del estudiantado. Pero la intención no es que se convierta en un
tema de estudio en sí mismo, sino además en un espacio para la experimentación
y el intercambio artístico (de sus propias producciones). Hay varias razones
por los cuales el arte puede ser un buen eje de abordaje para jóvenes: en
general los jóvenes están más acostumbrados a un lenguaje icónico que verbal
por lo cual el medio artístico por lo general llama mucho su atención, además
porque el arte tiene la especificad de ser un medio de expresión, de
pensamientos e ideas, de estados de ánimo, donde por lo general, los jóvenes (y
los adultos también) se proyectan, pero además sirve estudiar este eje ya que
muestra a los alumnos el proceso histórico-social detrás de las producciones
artísticas de una época, etc.
[4] Puede ser: representaciones
escénicas (teatro), audiovisuales (corto cinematográfico), visuales o plásticas
(dibujos, fotografías, pinturas, esculturas),etc.
[5] “Resignificando
el espacio curricular abierto” En base a los aportes del Encuentro Nacional de
Estudiantes 2010, las conclusiones de la Mesa Permanente de Estudiantes y el
campamento de docentes y estudiantes de Salinas, diciembre 2010. Extraído de: http://www.ces.edu.uy/ces/index.php?option=com_content&view=article&id=2825&Itemid=78
[6]
La letra tipo
negrita se encuentra así en el texto original de la página del C.E.S. antes
citado.
Suscribirse a:
Comentarios (Atom)